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Jam Kultur

183:785827909 (Frederic Holzwarth) — Thu, 22 Jul 2021 12:19:09 GMT

Wie ich sie praktizieren möchte

Die Jam ist ein gemeinschaftlich gestalteter Raum von Tanz, Kunst, Akrobatik, Bewegung und Begegnung sowie dem Unerwarteten, dem leeren Raum. Sie fordert Achtsamkeit genauso wie Mut, sich einzubringen und gibt Freiraum zur Entfaltung wie auch Rückzug.

Auf der Jam möchte ich eine Kultur der Achtsamkeit und der Rücksichtnahme, des Respektes vor dem Anderssein und dem Mut anders zu sein, des Einverständnisses und des sich Zumutens leben.

Auf der Jam praktizieren wir Contact Improvisation. Was das genau beinhaltet ergibt sich aus dem Moment. Für mich ist für diese Freiheit der Gestaltung ein Bewusstsein, woher dieser Tanz kommt, seine Geschichte und seine Entwicklung sowie eine persönliche Praxis der Contact Improvisation die Grundlage.

Anregungen und Regeln

Eine Jam hat Verantwortliche, die den Raum halten und ansprechbar sind.
Du bist willkommen, so wie du bist.
Halte immer mal wieder inne und prüfe, ob du bei dem, was du machst, bleiben magst oder etwas ändern möchtest.
Solo, Duett, Improvisation in der Gruppe und aktives Zuschauen sind gleichwertige Tänze.
Es gibt keine Pflicht, bei jemandem oder etwas zu bleiben. Du kannst jederzeit aus jedem Kontakt gehen und brauchst dafür keine Begründung.
Hole Dir Unterstützung, wann immer nötig.
Trink viel.
Gerüche können mit der Nähe sehr intensiv erlebt werden. Mute anderen nicht zuviel zu (z.B. lang getragene Kleidung, Deos, Waschmittel).
Sei aufmerksam für den Raum, dafür, was deine Handlungen im Raum bewirken. Der Raum ist geteilt. Insbesondere Sprechen und Stimme wirken sich auf den ganzen Raum aus.
Körperarbeit und Massage sollte immer nur nach mündlicher Absprache erfolgen, auch wenn ihr euch schon kennt.
Körperarbeit, sehr ruhiges Tanzen und Tanzen mit geschlossenen Augen sollte am Rande, abseits von Tanz mit Dynamik geschehen, um niemanden zu gefährden.
Unterhaltungen, die nicht Teil des Tanzes sind oder der Klärung dienen, sollten außerhalb der Jam oder nur leise am Rande stattfinden, ohne die Atmosphäre zu beeinflussen.
Diskriminierung aufgrund von Gruppenmerkmalen ist ausdrücklich ausgeladen. Gleichwohl bedeutet dies keine Erwartung mit irgendjemandem in den Kontakt gehen zu sollen.
Achte gut auf deine eigenen Grenzen: Grenzen der Nähe, des Kontaktes, der Intimität, des Raumes, etc. Und versuche möglichst rechtzeitig deine Grenzen mitzuteilen. Mit Gesten, durch Handlung und insbesondere durch Worte.
Absichtliche oder grob unachtsame Überschreitung von Grenzen sind ausdrücklich ausgeladen.
Grenzverletzungen aller Art sollen vermieden werden und sind doch auch im achtsamen Umgang möglich. Beim Tanzen sind wir eingeladen uns auszuprobieren und Grenzen vorsichtig und mit gegenseitigem Einverständnis zu testen und manchmal zu erweitern. Kontakt findet an der Grenze statt.
Wurde eine deiner Grenzen verletzt – ob absichtlich oder nicht – sprich dies bitte aus. Derjenigen gegenüber, die sie überschritten hat, oder, wenn das nicht mehr möglich ist oder schwierig oder unangenehm ist, gegenüber vertrauten Menschen und/oder dem Jam-Verantwortlichen.
Unterstützung bei Unsicherheiten, Verunsicherung oder (Grenz-)Verletzungen, geben die die Jam-Verantwortlichen. Und prinzipiell sind alle Teilnehmenden aufgefordert, aufmerksam zu sein, ob irgendjemand Unterstützung braucht. Wenn du vermutest, jemand könnte vielleicht Unterstützung brauchen, biete dich an und frage oder sprich andere drauf an.

Verbundenheit – ein leibliches Phänomen

183:785827909 (Frederic Holzwarth) — Wed, 15 Apr 2020 12:05:57 GMT

Auszug aus einem Artikel , erschienen in „Scheidewege – Jahresschrift für skeptisches Denken“

Contact Improvisation ist eine Tanzform, in der sich zwei oder mehr Tänzer einander an beliebigen Stellen des Körpers berühren und dabei lehnen und Gewicht teilen können. Zu den Grundprinzipien zählen die aufmerksame Wahrnehmung des eigenen Körpers und der Umgebung, der achtsame Kontakt im Miteinander und die Integration der physikalischen Kräfte. Das Erforschen von Flieh- und Schwerkräften in der Bewegung eröffnet eine Vielfalt und Dynamik im Tanz: Balance, Fallen, Rollen, Gleiten, Heben, am Boden oder in der Luft. Jede Bewegung entsteht unmittelbar aus der vorangegangenen – improvisiert und orientiert am gemeinsamen Kontaktpunkt. Es gibt weder Schrittfolgen, noch feste Rollen zwischen den Tanzenden. Die Fragen, ob, wo und wieviel berührt wird, wann genau der Tanz beginnt und wann er endet, bleiben immer ein Stück weit offen und werden in actu miteinander ausgehandelt. Gerade dieser Mangel an Festlegungen fordert eine ständige Wachheit für den Moment. Wo – innerhalb eines vereinbarten Rahmens – nichts klar ist, braucht es meine ständige Aufmerksamkeit, um mich zu verorten, zu beziehen und reagieren zu können. In der Contact Improvisation begegne ich anderen Tänzern jenseits der Worte und doch ist es ein Gespräch, in dem wir uns austauschen, etwas voneinander erfahren, Einvernehmen möglich ist und Missverstehen, Aneinander vorbeireden wie auch gelungener Austausch.

Klarheit für den Beginn des Tanzes schafft eine Berührung, ein beliebiger Teil meines Körpers berührt irgendeinen anderen meiner Tanzpartnerin und in diesem Moment fordert der Kontaktpunkt alle Aufmerksamkeit: Was erfahre ich von ihr, von ihrer Körperspannung, ihrer Struktur und ihrer Bewegungsrichtung? Was sende ich aus? Die Berührung reicht durch viele Schichten: die Haare an der Hautoberfläche geben erste Signale, die Haut vermittelt Haften oder Gleiten, Klarheit oder Unschlüssigkeit, Wärme und Weichheit, das Bindegewebe und die Muskeln vermitteln Spannung und Intention, Offenheit und Bereitschaft, die Knochen schließlich geben Auskunft über die Passung der Körper an dieser Stelle: Welche Strukturen kommen hier in Kontakt, wieviel Kraft kann hier übertragen werden, welche Bewegungsentwicklungen sind wahrscheinlicher, sind anatomisch möglich? In dieser körperlichen Begegnung offenbart sich mein Zustand ungefiltert, meine Anspannungen werden spürbar und meine Zurückhaltung ebenso wie meine Bereitschaft mich einzulassen. Ich werde für die Andere spürbar. Und das genau so, wie ich gerade in dieser Begegnung bin. Am Du werde ich zum Ich [1] (Martin Buber). In der Beziehung offenbart sich für uns beide, wer wir jetzt jeweilig sind. Die Begegnung zwingt mich anwesend zu sein und zwar als Berührender und als Berührter. „Vom Anderen berührt werden heißt daher, in einer elementaren Weise von ihm erkannt zu sein und sich selbst zu erkennen. Im »Kontakt« mit dem Anderen werden wir einander nicht nur im körperlichen, sondern im personalen Sinn wirklich.“ [2]

Ich nehme von meiner Partnerin vielfältige Informationen auf, ich könnte versuchen, sie einzeln zu benennen und doch ist vorher schon ein Bild in Gänze da: das von ihrer Leiblichkeit zu dem mein Leib in Resonanz geht. Mein Leib zeigt sich empathisch für den anderen Menschen und seiner Körperlichkeit, schwingt ein und erlaubt ein unmittelbares Verständnis von der körperlichen Beschaffenheit, der anatomischen Struktur und auch wie der Körper gestimmt ist. Ich spüre meine Tanzpartnerin am eigenen Leib. Wir sind verflochten in einem „wechselseitigen leiblichen Spüren und Umbilden“, schwingen in einer „ zwischenleiblichen Resonanz “. [3]

Es bildet sich ein labiles Gleichgewicht, in dem sich die Körperspannungen annähern, die Nähe bestimmt ist, die Aufmerksamkeit fokussiert – und doch ist es kein Verharren, sondern ein Spüren, ein Lauschen auf das was passiert. Bleibt es bebende Stille oder ist schon der nächste Moment voller Bewegung? In dem Punkt der Berührung kulminiert die Wahrnehmung, doch geht die Beeinflussung durch alle Zellen: alle Gelenke zwischen Boden und Partnerin ermöglichen den Kontakt und fragen schon nach der weiteren Entwicklung, die abgewandte Körperseite bildet die Balance, jede Muskelfaser nimmt die Spannung oder Entspannung an, die vom Kontakt ausgeht. Und so geschieht die Improvisation, die nichts anderes ist als Spontaneität: das Fließen lassen im Wirkungsfeld des anderen Leibes.

Vordergründig bestimmen physikalische Kräfte den Tanz: eine leichte Regung, schon ändert sich der Schwerpunkt, ich korrigiere meine Haltung, und so auch meine Tanzpartnerin. Und so flieht der Schwerpunkt weiter und jede Bewegung fordert eine Anpassung, eine neue Bewegung und das Spiel ist, ob im Kleinen oder Großen, sofort im Gange. Je länger dieses Spiel geht und je mehr wir uns darauf einlassen, desto mehr dehnen sich unsere Körperschemata aufeinander aus. Wie bei meinem eigenen Körper habe ich durch die Berührung und Bewegung eine Vorstellung des Schemas meiner Partnerin. Auch wenn ich sie nicht sehe, habe ich stets eine Ahnung wo und wie ihr Körper im Raum und zu mir steht und sich bewegt. Diese Ahnung ist unmittelbar leiblich abrufbar. So wie ich meinen Körper unvermittelt erlebe, erlebe ich ihren Körper in der Bewegung gleichsam mit. Dies wird insbesondere beim Fehlgehen der Ahnung anschaulich: Wenn dort Leere ist, statt des erwarteten Arms, oder wenn am Ende einer streichenden Bewegung nicht der Torso, sondern die Hand spürbar wird, bin ich irritiert. Meine Aufmerksamkeit geht aus dem Spüren in das Denken, aus der verleiblichten Wahrnehmung in die Kognition und ihr Körper fällt aus meinem Spürbewusstsein heraus – bis durch neue Orientierung und Gewöhnung ihr Schema wieder integriert wird und die Wahrnehmung ihres Körpers wieder in die Tiefe meines leiblichen Verstehens sinken kann.

Je mehr dieses Vertrautsein der Körper wächst, desto mehr wird es ein leibliches Vertrautsein. Meine bewusste Aufmerksamkeit kann von der Ebene der Raumkoordination und der Bewegungsdynamik tiefer gehen zur Wahrnehmung des lebendigen Leibes, des Menschen. In ihrer Leiblichkeit erlebe ich meine Tanzpartnerin auf subtile Weise ganzheitlich. Ihre Leben ist eingeschrieben in ihren Körper und vielmehr noch in die Landschaft von Anspannung und Entspannung, von Bewegungsgewohnheiten spontanen Impulsen und Reaktionen. So wie ihr Leib biographisch geformt ist, drückt er sich auch im Hier und Jetzt aus. Und ebenso bei mir. In diesem Prozess der „Wechselwirkung von leiblichem Ausdruck, Gestik und affektiver Resonanz“ [4] begegnen wir uns subtil und notwendig authentisch, geraten in eine leibliches Mitschwingen: ein sich Zeigen und gleichzeitig sich Einschwingen und im Kontakt verändern. Ich bin nicht mehr der, der ich noch eben war und bin umso mehr ich, als ich mich in der Beziehung anrühren lasse. „Wer in der Beziehung steht, nimmt an einer Wirklichkeit teil, das heißt: an einem Sein, das nicht bloß an ihm und nicht bloß außer ihm ist.“ [5] Ich stehe in einer Verbindung in der ich leibe und dem gegenüber ein Du leibt [6]. Wer ist dieser Mensch, wer bin ich in dieser Beziehung? Eine Frage, die ihre Antwort findet im Befragen, im Lauschen, im Sich-Zeigen!

Dieses Sich-Zeigen und auf die Beziehung lauschen geschieht im kleinen Moment des Jetzt – Bewegungen, fein oder grob, schnell oder langsam, fordern auf, mit der Wahrnehmung im Moment zu bleiben. Je mehr der eigene Körper und der gemeinsame Körper – verbunden durch Blick, Gehör und Berührung – selbstverständlich werden, also in eine vorbewusste Verfügbarkeit gleiten, gleichsam zuhanden (Heidegger) und damit transparent und unauffällig werden, desto mehr kann die Wahrnehmung anderweitig fließen. Gedanken können in die Umwelt oder nach innen abschweifen – doch ebenso in die Beziehung: in die Befragung der Begegnung. Dort wo wir eine Ahnung des gemeinsamen Körperschemas teilen, wir einander unmittelbar am eigenen Leib erfahren, und die Aufmerksamkeit auf das Zwischen-Uns gerichtet ist, geschieht Verbundenheit. Hier „fungiert der Körper als Medium der emotionalen Wahrnehmung“ [7] und der Tanz, die Gewöhnung aneinander, das Spüren und Handeln im Kontakt können den Raum zwischen uns dafür öffnen. Wer ist meine Tanzpartnerin? Eine offene Frage, die in ihrer Offenheit fesselnd und befreiend zugleich ist. „Der Zweck der Beziehung ist ihr eigenes Wesen, das ist: die Berührung des Du. Denn durch die Berührung jedes Du rührt ein Hauch des ewigen Lebens uns an.“ [8]

1 Martin Buber (1923) Ich und Du. Reclam (2008): S. 12 und S. 28.
2 Thomas Fuchs (2000) Leib, Raum, Person: Entwurf einer phänomenologischen Anthropologie. Klett-Cotta S. 114.
3 Fuchs: S. 246.
4 Thomas Fuchs (2018) Zwischenleibliche Resonanz und Interaffektivität. Psychodynamische Psychotherapie , 4, S. 211.
5 Buber: S. 61.
6 Buber: S. 13.
7 Thomas Fuchs (2014) Verkörperte Emotionen – Wie Gefühl und Leib zusammenhängen. Psychologische Medizin 25.
8 Buber: S. 61.

How to be an empowering teacher - Part 2: Training for physical safety

Wed, 08 Jan 2020 14:26:47 GMT

2020-01

Training for physical safety

Some time ago I asked some people, whether they had heard of any serious accidents having happened in CI. In the local scene there were only accounts of minor accidents. I did hear from people, who are in the game for longer, that indeed there were accidents. And recently in an online forum I read of a number of personal or witnessed accounts. I was surprised, to read of such a number of injuries! So, this changed my perspective on CI as being a dynamic sport with hardly any accidents. Into: considering the dynamics, speed, loss of orientation, indulgence into trying new things, the number of people in jams and the unknown variety of experiences – considering this, relatively few accidents happen. And still they do. Besides accidents, there are injuries and pain resulting from repeated strain.

For me, this highlights the necessity to make our practice physically safer and more sustainable.

I remember that after having been at Earthdance, where I experience wild, jerky and sometimes risky dances, my dancing habit also changed into more abandon and risk taking. Before, I was more used to the very cooperative, slow and listening style, which I learned mostly from Jörg Hassmann and Frey Faust. Now, with this invitation of risks, I still felt safe enough – though sometimes I realized, I just had luck – not skill. I needed to train falling.

And so also my teaching changed: Before, I would rather show ways to easily get up, to gently go down, stick together and continue rolling around each other. The fall was rather the exception when you failed: “There are some people, who are teaching very easy ways to lift people – but not how to get down!” said Nancy Stark Smith and I might have been leaning this way. And she continued: ”It is our responsibility to be able to fall from any situation and handle anything that approaches us – physically and energetically.”

So, back in Leipzig I was wondering about the falling. And started practicing to fall and included it in my classes more and more. I realize: the capability to fall from a given situation allows the freedom to explore that very situation, to be more independent from the person who supports you up there and to safely exit the situation at any time, be it your choice or not – but not only when your partner so choses. I also admit this is a simple truth and probably one of the principles of most CI teachers, being a special case of the ubiquitous “self-responsibility principle”.

How to train in that? Again Nancy: “And it's interesting that it's not more familiar with people [the style of CI in the 80ies]. That tells me a lot about the way the work is evolving. That that kind of abandon, informed abandon, is not done so much. And so the question of how to train in that, how to be safe with that is important.”

So, as a teacher who is taking this seriously, one should support people in acknowledging the physical risk involved, their part in it and how they can become more apt in lowering these risks. I want to name a few principles that I find meaningful here:

Freedom inside a frame – free and playful exploration is part of the whole fun. And to be able to continue exploring, the teacher needs to set limits according to the skill level they perceive in the group and according to their own skill in guiding the group. So: rather cooling down a crowd and focusing on the safer zones of explorations, than risking the exploration to suddenly end due to accidents.

Warmed up dancers – it is both students and teachers responsibility to warm up. At first, to plainly have the bodies warm. And further, to have people tuned to the setting, the atmosphere, the vibes in the group, knowing the qualities, dimensions and risky places in the studio, the time frame and the general theme of the class. Having an idea of the skills people bring and their limitations.
Practically to me this means: No contact without prior solo work. Late comers not allowed or they may get a specific warm-up task before joining. No contact work without a circle – except when it is a regular group where I know everyone. In the circle I may get a glimpse of people’s temperament, their movement background and potential limitations, and so does everyone else. Taking time for everyone to get acquainted with a new studio. Specific warm up before demanding work.

Falling/Landing – being ready to land safely from any situation that I entered. When it comes to exploring CI in its dimensions of acrobatics, speed, disorientation, then it also comes to experiencing how it is to be the falling object. Beyond Newton: an object that is live, mobile, reactive, receptive, vulnerable. An object that will experience the fall as a first person that may reach towards the floor, may expect it, sense it and adjust their structure and tension, such as to land safely. Becoming a fall that is a part of the dance. And being one dancer who enjoys the disorientation in space and wants to support others in being able to enjoy this, too, I reckon this requires a feeling of safety. So, we train in getting acquainted with the floor, the falling, and the height. We train our softness when touching the ground, adjusting the structure to spread the energy and finally our sturdiness to sustain impacts. I start most classes with solo explorations of finding ways down (and up). In contrast to my tenet to let people find out individual ways for themselves, I also do offer concrete pathways to go down that we practice together. I think the ability to land without unnecessary strain and impact is the golden solo skill for CI dancers.

Landing on one’s own – letting partners who fall land on their own and giving them a support in going down that does not inhibit their landing. Rather not supporting the landing than supporting wrongly. Do not throw partners unless there is consent. When you fall: using your partner to break the fall only when it does not hurt or destabilize them, rather fall on your own. To me, these are rules.

Training hazardous movements / Training the reflexes – when I enter a situation in the dance that is risky (I am not used to it, chances are high, I cannot control it and if I lose control I might hurt myself) I can get very excited, I might tense up and hopefully I will land safely and be relieved, my heart still bumping. Is this the thrill I am looking for? Not exactly! I am looking for a thrill of situations that border my capacity to catch and land and require them – but not more! A thrill that encourages me and keeps me going. I encourage people to go beyond the usual but stay in their learning zone. Overdoing it may kill the joy prematurely. In classes, I require people to train situations that are challenging and risky very slowly with lots of control. In order to sense what is really going on, where is up and down, where do I tense, where could I let go more and how can we get out of the situation: either by exiting thorough the back door (aborting the movement) or following through. And repeat it. Slowly.

And training speed mode with less height/danger involved. In classes, I propose this by moving with high speed in solo or in low duet dances. Getting lower with the center the faster things develop. Such as to train 1) the reflexes, 2) the vestibular system becoming used to speed/loss of orientation and 3) my dealing with the emotions that might be triggered. And to find out 4) where my momentary boundaries are: what goes beyond learning and enjoyment and becomes panic, struggle for survival or, equally dangerous, an attempt to please an unverified wish of the partner or the teacher or to satisfy an incorrect image of mine.

Patience – When people like me, who can’t wait to do, explore, try out something, are so excited about something that might be too risky, I want to work with them on the safety part of the movement or on a slow and gentle version of it. Acknowledging their energy and supporting them by practicing with patience. This does not mean I do not allow this energy in classes. Just, I would either want to be their partner when trying risky moves or be an alert observer, ready to change the energy of the space, when felt necessary.

By sheer training, we can update our reflexes, unlearn how not to land and learn how to land better. My key point is: training technique can be empowering as it can increase the range of expression as well as give a solid foundation for repeated and healthy expression.

How to be an empowering teacher - Part 1: Inviting the diversity of experiences

Thu, 19 Dec 2019 12:54:39 GMT

2019-12

Inviting the diversity of experiences

One of the recurring and always astonishing discoveries over the years as a teacher for CI is that the same setting and experiment may give rise to a plethora of experiences in students. The range of experiences is much vaster than often I anticipate and the reports of students sometimes go in opposite directions. Frequently, when one says: oh, this turn, this exercises, this remark etc. made it difficult for me to sense, do, etc. – then another one adds: oh for me it was vice versa, exactly this detail helped me a lot and I felt it made sense to me… Sometimes, random remarks of mine are pointed out later as being meaningful, while others, that I felt were important, were not mentioned again. Finally, in rounds, when people narrate their experiences, each one of them seems to have had a unique and very individual journey whilst having shared the same space and atmosphere over a weekend. People are unique and so are their experiences.

What to make of this?

First, I acknowledge that the variety of experiences is real and just reflects the variety of people – their inner world, their backgrounds and their momentary states. I have no means to sense or anticipate how someone feels. I am totally dependent on feedback, ways of expression. And besides the nonverbal, I really appreciate people putting their experiences into words, taking the effort to naming them and to making parts of their process public. So, I invite frequent sharings – a tradition already very much practiced in CI settings – be it in couples, small groups, the whole group or with me after class. So, I believe, it helps students to render themselves clear and conscious, what really goes on. When there is reluctance to share with words, I invite to just take time, draw inner or real images, putting it into words silently or to write it down. As Ann Halprin once said: “to objectify the experience”.
I invite people to share in the first person and to speak of themselves, rather than of “one” (German “man”), “us” or “them” – also a practice very familiar to CI communities. In order to acknowledge the agent of the experiences – oneself – and leaving others their own ones. When I contribute as a teacher, I try to either just tell observations or personal reactions: what I saw, how I feel having heard or seen this. Or, I may give a personal account on how I felt in related circumstances or how I dealt and deal with similar situations.

Second, I acknowledge that learning is idiosyncratic and eclectic. Each student has a different starting point and also different aims, trajectories and motivations. I cannot preconceive them all. And also I don’t need to nor want to. I don’t need to divine each ones learning path and neither do I need to understand each ones challenges or learning patterns. This is the work to be done by each student themselves. I offer an honest idea of my approach to CI. And then I give the freedom to explore. And I want to offer a variety of perspectives and situations, such as to allow many entries (and exits) – all nourished by my own curiosity. As in the prologue of Faust part I: “Each one, himself, will choose the bit he needs: / Who brings a lot, brings something that will pass” – I want to create exercises, where the aim is clear to me but the pathway of learning, the step stones, may be freely chosen or individually carved. There shall be one main goal of my class and there shall be many ways that go there. Such as not to force students through one single approach repeatedly until they get “it” – whatever I imagine would be “it”.

I do acknowledge there are other styles. E.g., I assume that some very experienced teachers have, over the years, designed very specific programs with specific aims and also specific intermediate learning objectives. I do think there may be a lot of value and meaning in this style that lays out certain pathways and stages each student is supposed to follow and reach. Though it may work well, I feel this is a very different approach than mine. I imagine it works for teachers with a strong background, extended teaching experience – and groups of students, who specifically want to learn with this person, open themselves up for this kind of offer and maybe just match with their learning type the teachers style. As for me, I am not in this position, so I don’t pretend to have found the one method to reach a certain quality in dance. And further, I do believe in the value of finding things out on one’s own. I never helped my son learn to walk by supporting him, holding hands, walking with him. I supported him by observing, when he tried to stand upright and comforted him, when he fell. Never did take him by the hand and moved him, as if he’d walk. And finally he did it. How? – That’s his secret, his intrinsic way.

I strongly embrace this viewpoint: “Whenever you teach something to a child, you stop them from finding out on their own.” ― Jean Piaget (quoting his collaborator Paperte). Consequently, in teaching I want to empower people “to find out on their own”. I do create the space and setting; I offer exercises and have a goal in mind – driven by my own learning ambition. And I have respect for whatever students find inside and outside this frame that excites their learning ambition. And finally I respect and even marvel at the multitude of experiences that each one lives to taste and has the generosity to share.

Further topics I want to touch:
Showing the ropes
Training techinque
Selective authenticity
Kindling curiosity

Mute dich zu

Thu, 19 Dec 2019 12:51:31 GMT

2019-10

Wenn in einer Klasse nach Übungen oder dem Ausprobieren eine längere Phase des Tanzens folgt, beobachte ich manchmal vornehme Zurückhaltung bei den Tanzenden. Ob aus Unsicherheit, dem Bedürfnis es richtig oder recht zu machen, oder dem noch nachwirkenden geistigen Verdauen, sei dahingestellt. Ich lade dann in die Unmittelbarkeit und die Direktheit ein:

Ich ermutige die Tänzer.innen, sich nicht zurückzuhalten noch mehr noch „sich zuzumuten“. Mute dich zu: der Welt, den Menschen, deiner Tanzpartnerin, schließlich dir selbst! Halte dich nicht zurück in deinen spontanen Impulsen, in deinen Unsicherheit. Mute dich dem Moment zu, mute dich dem Unbekannten zu, mute dir selbst das Unbekannte zu. „Mute dich zu!“ rufe ich ihnen zu.

Du sollst dich nicht vorenthalten. – Diese Formel finde ich später in einem Buch zu Gemeinschaftsbildung. Sie stammt von Martin Buber und bleibt mir hängen, Echo meiner Aufforderung sich zuzumuten. Er schrieb 1919 in einem Essay: „Uralter Wust und Mulm ist zwischen Mensch und Mensch gehäuft. Sinngeborne Form entartet zu Konvention, Ehrfurcht zu Mißtrauen, Keuschheit der Mitteilung zu geizender Verschlossenheit. Mitunter tappen die Menschen im bangen Rausch auf einander zu – und verfehlen sich, denn der Mulmhaufe ist zwischen ihnen. Räumt ihn hinweg, du und du und du! Stellet Unmittelbarkeit, aus dem Sinn formende, ehrfürchtige, keusche Unmittelbarkeit zwischen den Menschen her! Du sollst dich nicht vorenthalten.“ Und wiederholt dieses Mantra mehrfach in jenem Text (unter dem Titel „Was ist zu tun?“). Verstand es vor allem als sittlichen Aufruf, sich einzubringen, und als Aufruf in den Dialog, die „ich-du“ Beziehung zu gehen (so meine Deutung). Hier bedeutet es für mich das gleiche: zeige dich mit deinem ganze jetzt-so-Sein, laß es Ausdruck in Bewegung, Kraft und Spiel finden!

CI kann für mich diese Unmittelbarkeit zwischen Menschen, zwischen mir und meiner momentanen, flüchtigen wie auch massiven Wirklichkeit, zwischen unseren Wirklichkeiten immer wieder ermöglich und aktualisieren. Welch‘ Geschenk und Forderung!

Tone-modulation

Thu, 19 Dec 2019 12:01:44 GMT

2019-09

Eine der besonderen Qualitäten, die ich im Tanz schätze und auch versuche im Unterricht zu vermitteln ist: jederzeit die Spannung in Bezug auf Intensität sowie Richtung und Entfernung zur Körpermitte hin modulieren zu können.

Um so im Moment zu spüren: wie ich selbst ausgerichtet bin, wie meine Tanzpartner.in und wie wir im Bezug Raum und Boden sind. Und um reagieren zu können: stabil werden oder nachgeben, Absichten weiter verfolgen oder wieder loslassen, Richtungen während der Bewegung anpassen. Um Spannung aufzubauen und stabil zu werden: nur ganz in der Peripherie, näher zum Zentrum oder durch das Zentrum in den Boden. Um sich bewegen zu lassen, den eigenen Körper mit zu bewegen oder sich zu gründen, um Gewicht aufzunehmen.

In der Bewegung bleibt möglichst viel losgelassen und weich, spürsam und beweglich. Gliedmaßen sind mehr Antennen und Schwungmasse als Struktur. Und können sich immer, wenn nötig anspannen, Struktur schaffen und bieten. Bewegen… Berühren, Bewerten, Belasten/Belassen, Bewegen…

Steve Paxton (1977): „Tension in the muscle masks the sensation of gravity…“ Heike Pourian (2016): “Handeln und Spüren zugleich.”